《浮士德》：真正永恒不变的只有死亡

综合测评

倪敏：马约用一首交响曲讲述了一个完整动人的故事。大家都以为舞蹈的叙事功能很弱，而交响芭蕾以后舞蹈更显情绪化。但马约就是可以用一首如此抽象的《浮士德交响曲》，声情并茂地讲一个走向死亡的故事。 死神，是马约创造出来的角色，一个置身事外的角色。她看着浮士德出卖自己的灵魂，看着玛格丽特走向悲剧，看着魔鬼操纵着这一切，最终浮士德和玛格丽特走向死亡。最终我们才发现，其实真正永恒不变的只有死亡。 第二幕的红苹果，是马约最柔情的表达。西方人看见伊甸园里的亚当夏娃，东方人看见一对羞涩的爱侣。那段几乎没有肢体触碰的双人舞，完美地通过一只伊甸园的苹果完成了一场浮士德的性爱。 第三幕隐约可见贝嘉《波莱罗》的影子，酒神的狂欢变成浮士德的声色犬马，疑惑之中不得不承认借得巧妙。其实，这个舞台上没有什么是马约的，但是所有的一切又都是他的。

卢世伟：让－克里斯托弗－马约的作品，总是视觉为先的――视觉上真的是美是让人叹为观止，尤其颜色的运用，简约，清晰，但又绝对有力，没有一丝多余，仅仅三种颜色，就已经表达出全部的交织的各种情绪和情感，大色块的运用给人太强的视觉冲击。再就是整体的造型感，无论是演员个人形体到服装的造型感，还是舞台布局调度的造型感，都可以感受到简洁而清晰的线条与轮廓，演员的每一个POSE都可以直接成一副油画，一尊雕塑，有时会觉得他的作品，或许有些舞美大于编舞，配角强于主角，相对于舞美的精彩，舞蹈部分，总缺少特别具有同样冲击力的段落，缺少芭蕾舞中常见的大招，而主角也总是在叙事性的表演上强于舞蹈化的表现。女二号身体的线条感太美了，尤其是那双处理得像翅膀一样的手指，太有感染力了，静的时候像画，动的时候像诗。

慕羽：这是一部推荐指数“全五星”的作品，极为难得！“浮士德”的灵肉抗衡存在于每一位身心合一的个体，无论会否获得人生圆满或真谛，个体所无法回避的都是死亡，只是距离死神远近不同而已。于是，在马约版的《浮士德》中，从开始，就预设了死亡。女一号并非是与浮士德爱情纠葛的玛格丽特，而是“死神”。这一外化的角色歌剧中没有，交响曲中也无直接映射，马约把她“拟人化”为女性，甚至超越了魔鬼梅菲斯托，成了整部作品的灵魂。李斯特的标题交响曲分别以浮士德、玛格丽特和魔鬼梅菲斯托为核心展开，分为三个乐章，马约的舞剧也由此发展为三幕结构。然而，由于“死神”由始至终的贯穿，使得这部舞剧不止于三个音乐肖像。

“魔鬼”则是人们精神世界中的拉拽引力，其中有每个人深藏内心的丑与恶，有时他甚至可以牵制住“死神”与浮士德的远近亲疏。所以，在舞剧中，由于受魔鬼的诱惑，或有死神的威胁，几段主人公的独白都变成了“双人舞”，剧中虽然也有最柔情蜜意的爱情双人舞，但几段男子双人舞和女子双人舞为该剧增加了别样的视觉体验。剧中几处亲吻也超越了性别，僭越了情爱，成了该剧的“戏眼”。这是芭蕾舞台上屈指可数的同性接吻场景了吧！第一幕中一段男子三人舞成为浮士德精神世界的第一个关口。一位牵引着浮士德接近魔鬼的男子就是浮士德的灵魂，更像是撒旦附身。浮士德受心魔左右，与自己的灵魂，一个更年轻的分身共舞，他们与“魔鬼”的穿套、牵引与亲吻来得扑朔迷离。浮士德并未变得更年轻，年轻只是表象。

结尾处，一阵撕裂的响声将浮士德带进了玛格丽特的牢狱，她身在一个血色空间的鸟笼中，等待着“死神之吻”。肃穆的男声歌唱像是从天国传来，为他们最后的告别做出诠释。这不是芭蕾舞台上第一次出现死神，但男女主人公分别与死神如此“肝肠寸断”的亲密深吻，算是出格之举了吧。浮士德从未这样迷恋过死亡，这已经出离魔鬼的控制了。

徐珺：在《睡美人》《天鹅湖》《罗密欧与朱丽叶》之后，马约的作品已经有了稳定的水准保障，他热衷于打造属于成人的现代童话，而《浮士德》是他又一次挑战，这不仅让他获得了贝努瓦大奖，更获得了观众的认可甚至狂热的追捧。 整个作品极富魅力，特别是魔鬼与死神之间的关系充满矛盾纠葛，这种复杂的细节用无声的舞蹈语言表达，非常考验编导的功力。马约依靠对舞蹈游刃有余的驾驭力，以及对舞美道具的天才调用，让观众置身于一个神秘的灵魂交易的故事中。 观众与浮士德同呼吸，感受对死亡的恐惧，进而妥协，付出巨大的代价换得重返人间的机会，体验爱情、满足欲望，最后，还是与魔鬼一起输给死亡。马约将死神设置为一位美丽的女性，也似乎在劝诫人们，死亡并没有那么可怕。 舞台上的每一个细节，都充满隐喻，耐人寻味，布景适时的切换，构成一幅幅如同电影般精致的画面，这一切，让观众如痴如醉。