《敦刻尔克》：不同于以往战争片的高概念高体验电影

凤凰网娱乐讯（作者/红袖添饭） 不得不说，诺兰这次玩得有点绝。《敦刻尔克》不仅不像我们看过的任何战争片，它甚至不像常规的故事片，某种意义上更像是一部纪录片。

影片完美地实现了诺兰的初衷，也即摒弃一般战争片常用的全局与局部视角交替的展现思路，基本上全程将观众的视野、牢牢锁定在几位主角身上。除了片头字幕简单交代的背景，有关战事双方动态等大局信息，全部零展现。

纪录片也可分为很多类型，特别是对于历史题材，主流还是热衷以各种影像和图文资料、来还原当初事件的完整过程。《敦刻尔克》展现的，是纪录片的另一种风格：摄影机引领观众，既充分融入到故事中去，又维持一种“冷眼旁观”的间离感。如果能在IMAX胶片或激光放映厅观赏1.43:1那种顶天立地的完整画面，更如同《发条橙》男主角经受特殊治疗的经历——那种“体验”之强度，可谓前所未有。

可能有朋友会质疑：别欺负人没看过《发条橙》！那里面男主角的治疗经历变态而残酷。《敦刻尔克》居然给人以那种体验，显见是难看之极了。

其实呢，如果抛开后面由于边际效益急速递减、乃至过犹不及的过程，至少那“头一次”的体验，应该是非常强烈的；阿利斯那被强撑开的眼睛，在看“猛料”时，没准还会有比以往更强烈的体验。这种“初体验”，才是我对《敦刻尔克》的正确感受。

确切地说，在看此片之前，敦刻尔克大撤退，只是中学历史书上需要背诵的一个事件，它在我脑海中留下的印象，只是发生的时间、结果及其历史意义这几个“考点”。在看《敦刻尔克》之前，我特地查了些资料，中英文的都有。但收获大量信息后，我还是有不少困惑，比如还是不大理解为何诺兰说那是二战的转折点。“转折点”这种事，各国是有不同说法的，比如美国人可能认为“珍珠港事件”是转折点，前苏联人认为“斯大林格勒战役”之类的才算转折点；而且，像“二战”地域与时间范围都很宽广的事件，有不止一次“转折点”也很正常。只是，在身为英国人的诺兰心里，“敦刻尔克撤退”中，到底有什么因素让他觉得需要重现、需要激励对战争已毫无印象的当代观众？

从电影院出来，我最直观的感受有两点：一是在当时情境下，能逃出生天真不容易；二是即使在丢盔弃甲的撤退行动中，也有英雄主义的光芒闪现，足以在绝望中温暖人心。

说实话，在看之前，我没预期会有那样的感受。当纸面上的认知，化成影院里的冲击时，我更感兴趣的，是诺兰是如何利用视听语言、来传递、并强化我的那些感受。

这么一想，我就觉出诺兰的“狡猾”来。在此前的宣传中，他自己都表示，这次会放弃所有在故事架构、叙事手法上的花招，而专注于还原真实的体验。如果各位过分关注“真实”二字，以为他的意思就是“客观”，那就大错特错了。《敦刻尔克》其实是部很“主观”的电影。

从表现对象与内容的选择上，该片就很主观，由此也导致了一些争议。比如那句朗朗上口、颇具震撼力的宣发语：“当40万人无法回家时，家，主动来迎接他们。”这个句子，其实有很大的史实错误：被德军包围的，是英法比荷联军，其中英国官兵只有22万左右，法国军人有小15万，来自比利时的军队也超过3万人。所以，真正能够与敦刻尔克那边的“家”联系起来的，只有那20多万英国军人。对其他三国军人而言，撤退行动不是回家，而是离家。

让法国等盟友更不爽的是，诺兰压根就没想着去表现盟友们的贡献，包括那因担任殿后来不及撤退而被俘的4万法国官兵。从宣传到正片，诺兰似乎极为“自私”地——或者说“爱国”地——将他的镜头、仅仅局限在英国人身上。

作为一部历史题材作品，这真的靠谱么？

可是，诺兰的创作意图，原本就不是“全景式”反映历史事件。表现盟友的英勇贡献，可能更加“政治正确”，但无益于加强他想要的表达，甚至可能会拖累。反过来，关注英军士兵，才能让那种“家在咫尺天涯”的绝望感，渲染得更为强烈。影片需要向观众传递这种绝望，以此来烘托“安全撤退”也算是一种胜利。

影片的时间线，也被诺兰“扭曲”了，以便传递一种递加的紧张感。发生在陆地（海滩）、海上（救援船只），和空中（“喷火”战机）的三段故事，按照片头字幕提示的时间线，分别历经一周、一天和一个小时。在每一条时间线之内，故事都是按先后顺序展现，是线性的。但由于全片演进的方式，是在三条支线间交叉剪辑、直到到达时间汇合的那一点，所以，在某一条支线已展现结果后，接下来在另一条支线，没准会看到同一事件的过程。这让影片整体的叙事呈现出一定程度上的非线性跳跃。

不过，和《记忆碎片》《盗梦空间》等玩弄时间的前作相比，《敦刻尔克》算是相当节制的。影片在剪辑不同时间线故事时，更多考虑的是叙事节奏的变化、以及引导观众情绪的变化，而非设定具有机械形式美感的时间演进方式；加上每一条支线内部的时间线都是有序的，所以对跟随剧情的进展不造成任何困扰。就个人的体验而言，只有两处交叉剪辑，让人对时间产生小小的困惑，但都一想而通，不需要开脑洞。事后仔细一想的话，那两处其实充当着让三条支线“暗通款曲”的功能，让观众意识到，原来在最终的汇合之前，三条线的人物命运，就已经有重合。

剪辑其实是主创对于影片主观意愿的最明显表达。《敦刻尔克》的剪辑，在三条时间线之间、创造了一种大致走向一致、但又不失灵动呼应的结构。观众们基本了解它们会于某一点汇合，但在什么情况下汇合、汇合的过程中会发生什么？则一直保持着强烈的悬念。作为历史事件，观众已经知道敦刻尔克撤退的结果，但具体到片中每一位具体角色，他们的命运，在编导揭示之前，则让人捏一把汗。

比起叙事结构和剪辑模式来，观众直接感知到的信息，能透露更多导演意图。

比如说在声音的处理方面，在诺兰用IMAX地包天画幅充斥观众的眼眶前，他就先让我们从听觉上震撼了一把。影片一开始的那几声枪响，在个人的观影体验中，是音量最响、划破空间的锐度最高、同时在表现打击力度方面最强的，尖啸的高频，和突突的低频同时发作，让整个影院的观众都吓了一跳。

其实，现实中的子弹效果，并没有这般震撼；《敦刻尔克》表现的，是一种“强化版的现实”（Heightened Reality），或者说就是角色主观感受到的“心理音”：在那一刻，他直接感受到死神最贴近的威胁；通过加强版的声音设计，诺兰也让观众感同身受。

影片对声音的主观性处理，不完全是通过“加强”效应，有时也会有变化，有时甚至会通过“弱化”声音，来让观众理解角色的内心感受。比如在主角在海滩遭遇德军飞机轰炸时，第一声爆炸很响，但接下来的爆炸——至少在观众听来——音量其实是减弱的，配合主角保头埋地的动作，诺兰让我们真切地体会到死神临近那一刻你的恍惚，心理的恐惧盖过了感知。

这种通过强化的“心理音”、来凸显周遭环境险恶的处理，在片中还有多处。最突出的比如几位士兵在小船船舱那场戏，且不说时不时被敌人洞穿船舱的子弹，就是舱木结构在涨潮时由浮力激起的各种轻微呻吟，都被放大到很显著的程度，折磨着已成“惊弓之鸟”的士兵们，成为压倒他们理性的最后一根稻草。

相对于多变的声音处理，汉斯·季默老师的配乐，倒真的是轰隆隆到底，全程高能。尤其是这次听了诺兰的“蛊惑”，基本上在每一段乐曲中，都采用了所谓“谢泼德音阶”（Shepard Tone），造成一小段主旋律音调不断升高的幻觉，让人越发怀疑《敦刻尔克》的音乐、是否喧宾夺主了。

就个人而言，季默老师的音乐不是问题。片中的配乐很独特，因而辨识度也很高，看过影片后就不可能听错，这点和季默与诺兰此前的几次合作是一样的。稍有不同的是，由于此次对白很少，因而在很多场景中，音乐其实是代替了语言，或者说是作为一种心理语言而出现，以传递特定场景应有的氛围。比如说，主角首次带领观众的视线、来到海滩时的场景，没有对白，但此时暗流汹涌的配乐，分明凸显了人物内心的恐惧与担忧：这么多士兵，如何能安全回家？

我对《敦刻尔克》配乐的主要抱怨，集中在片中一小段，也就是全盘OST中最先公开的那首《Supermarine》对应的场景。试听过的人都了解，这一段乐曲简直可以说是狂飙突进、排山倒海；那一段对应的情节也可以说是影片的第一个高潮。不过，我总觉得配乐与三条时间线各自的节奏不够对应，画面上的动作，并非全部是高速度高度紧张，音乐一味的紧张，让某几处剪辑显得有些“脱轨”，反而令人出戏。

出戏就出戏吧，我敢打包票：即使在那种状况下，你也很难从IMAX银幕上移开眼睛。就视觉表现力而言，诺兰这次表现堪称完美，至少个人找不到可以吐槽之处。

就影迷们最关心的IMAX胶片拍摄的1.43:1的原生画幅而言，其包围效果，真的足以取代3D眼镜。 特别是其中的空中场景，看过IMAX影院看过纪录片《蓝天铁翼：红旗军演》的，应该深有体会，辽阔而深邃的天地，就是那样刺激。片中汤老湿驾驶飞机每一次转向，我都需要忍住身体跟着倾斜的冲动；而他每一次俯冲，我的双手也不由自主地抓紧了座椅扶手。加上是带剧情的空战，真实感会比纪录片有过之而无不及。

诺兰并没有利用IMAX摄影机来渲染刺激，如同他对全片各个元素的处理一样，《敦刻尔克》最强调的，始终是悬念和紧张。反映到空战场景的拍摄上，诺兰摒弃了利用快速剪辑、来突出战机风驰电骋、交火迅猛刺激的做法，而仅仅利用固定在飞机上的摄影机拍摄空中长镜头；单纯是追寻敌机的过程，就能将人逼迫得手心出汗。通过此片，观众应该能深切感受到战斗机飞行员的不容易，特别是那个时代，基本山完全依赖视觉追踪，要打落一架敌机，技巧、运气和心理素质，缺一不可。单纯从画面观赏的话，你能感受到摄影的优雅，但融入剧情的话，那种优雅，又笼罩了一层死亡的阴影；这种多重心理感受，不仅没有降低观感，还大大加强了影片的魅力。

不过，我还是最爱片中的人物特写。自己都觉得这点不可思议，因为在此之前，我是挺不理解、甚至不待见诺兰用IMAX摄影机拍人物的。我原来觉得大格式胶片、就得再现壮美的自然景观才算恰当；像《黑暗骑士崛起》中，有几处忽然用IMAX摄影机拍摄的人物中景或特写，让我觉得很膈应。但《敦刻尔克》的处理，改变了我的偏见：片中IMAX原生画幅中的人物近景或特写，实在是太棒了！

我不是说清晰度的问题，而是说在1.43:1的画幅中，人物的脸孔会充斥你的视野，那是你唯一能注意到。对于一部少靠对话、多靠神情或动作来表演的作品而言，这种画面，可以最大程度地将人物内心展现给观众。特别是配合浅景深镜头的话，周围虚化的画面中，特写的人物表情，如同梦魇一般，在观众的脑海里萦绕不去，留下深刻的印象。典型的有如士兵们在涨潮船舱中的争论段落，那一张张因紧张、愤怒、恐惧而变形的面孔，是我近年来看过的最有压迫力的画面。

除了“大”给观众造成的视觉冲击，IMAX的1.43:1画幅，在本片的运用中，还有个适得其所的副作用：很多时候，接近方形的画面，完美地模拟了人在极度恐惧或危急时的“隧道视野效应”。在那些情境下，人的视野会缩窄，部分或全部丧失周围视觉，只能看清视野中心对象。此时被IMAX画幅框住的画面，能让观众更多体会到角色内心被放大的恐惧。

除了将IMAX摄影机架上了飞机，诺兰和摄影指导，还将笨重的摄影机，玩成了大号版的“狗破”（GoPro），在起伏不定的小船上，在逼仄潮湿的船舱内，乃至完全浸入水下拍摄，让本片的纪录风，更为浓厚。但要论个人最爱的几个镜头，多数还是机位简单、构图有韵味的画面，比如海滩上三位士兵默默地看着一位归心似箭的战友扑向大海，比如火光中汤老湿那疲惫而满意的微笑……

从视听语言的角度，《敦刻尔克》有很多场景、或段落，给人以深深的震撼。我只是有点怀疑，离开了能完整还原1.43:1画幅的IMAX胶片或激光影院，影片的震撼性，是否会大打折扣。在普通数字厅二刷后，我觉得它最多保留了IMAX版75%的震撼力。

诺兰此次的确将IMAX胶片格式的魅力，发挥到了极致；但与此同时，也间离了占据大多数的普通数字影厅。从这个意义上说，《敦刻尔克》其实是部实验电影。历来有种说法：好的电影，不管在哪看都是好电影。但如果从创意阶段、就将硬件格式内化为电影形式最大的特征之一，进而与内容结合、演化出独此一家的风格来，那正确的放映格式，就成为完整体验风格不可或缺的条件。《敦刻尔克》，就是这样一部“体验为大”的电影。

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